Plasticien atypique, Hyacinthe Ouattara, exalte et célèbre la matière dans une œuvre prolifique d’où jaillissent la nature, le cosmos et l’humain. Enfant du Burkina, son art a fait l’objet de l’exposition La poésie du lien, à la galerie Afikaris à Paris, et fera une escale à la 14ᶱ Biennale d’art africain, Dak’Art 2022.

Comment êtes-vous devenu plasticien ?

Tout d’abord, je tiens à remercier Arab News en français d’avoir accordé de l’intérêt à ma pratique artistique. Vous savez, il n’existe pas d’école des Beaux-Arts au Burkina Faso, et la grande majorité des artistes plasticiens dans le pays sont surtout des autodidactes, dont je fais partie. Du coup, on se sent beaucoup plus libre, et c’est une chance. Enfant, j’adorais dessiner. Puis, cette passion m’a insufflé une forme de curiosité: au fil des années, j’ai eu envie d’en faire quelque chose. Après l’obtention de mon brevet d’études secondaires, j’ai décidé d’arrêter mon cursus scolaire d’enseignement général, afin de m’intéresser à un univers purement artistique. Enfin, après plusieurs expériences dans des ateliers comme le Hangar 11 (atelier collectif) et de nombreuses initiations en dessin de modèle vivant, je suis devenu plasticien en pratiquant et en explorant plusieurs médias.

Pourriez-vous nous parlez des œuvres que vous avez réalisées à Casablanca lors de votre résidence artistique aux Anciens Abattoirs?

Ma résidence à la fabrique culturelle des Abattoirs de Casablanca en 2016 a été une expérience enrichissante grâce à la structure Arkane. Le lieu était très habité et chargé de traces du passé, et d’emblée, ces éléments m’ont parlé. J’ai profité de cette opportunité pour poursuivre ma recherche autour du textile – qui faisait déjà partie de mon travail – en réalisant une installation qui questionnait le vêtement comme métaphore de l’homme et identité d’une société. Cela a été une sorte de réflexion sur la mémoire universelle. L’installation a été présentée à Marrakech lors de la COP22.

Comment cet espace urbain a-t-il trouvé écho en vous?

J’étais immergé dans une atmosphère de cinéma mobile ambulant, et j’ai absorbé tout ce que j’observais, ce que j’appelle «l’atelier mental». J’ai été fasciné par ces grands marchés colorés, de véritables musées à ciel ouvert, j’adore ça! Les tissus qui ont servi pour ma résidence d’artiste en provenaient, j’ai en quelque sorte réutilisé l’âme du lieu.

Y a-t-il une couleur que vous utilisez à chaque fois que vous commencez un tableau?

Le tableau est une expression de soi, il reflète la manière dont nous ressentons les vibrations du monde extérieur et tout ce qui nous entoure. La spontanéité et la gestuelle ont une place très importante dans mon processus de création. Le choix des couleurs n’est pas prémédité à l’avance.

La radicalité de l’abstraction est-elle l’une des formes dans lesquelles peuvent s’exprimer les expressions les plus libres et les plus intimes?

Pendant longtemps, je représentais des silhouettes humaines de façon onirique, fantomatique, et parfois enfantine. Puis cette recherche a donné naissance aux Cartographies humaines. Une sorte d’anatomie cellulaire des tissus humains. C’est une façon pour moi d’entrer dans les entrailles du cosmos. Mon travail actuel s’apparente à une géométrie spirituelle de l’espace: le dedans, le dehors et inversement, ce que l’œil nu ne peut pas percevoir. J’appelle cela le battement cardiaque de la Terre, car il faut se placer au bon endroit pour pouvoir l’entendre et il se trouve en chacun de nous: l’abstraction organique.

Vous dites à propos de la série Multiplicité, présentée au printemps dernier à la galerie Afikaris: «Multiplicité est une somme d’expériences et de parcours dans un perpétuel besoin de renouvellement de mon langage plastique. Multiplicité témoigne d’un travail organique intérieur. Cette série invite le spectateur à s’interroger sur sa propre vision d'un monde en mutation permanente». Votre geste peut rappeler celui du peintre américain, Jackson Pollock, traversé par le «dripping» et les «All over»…

La série Multiplicité était l’expression d’une quête permanente, et la quête n’est pas un exercice aisé. Elle est inspirée par l’œuvre et la pensée d’Edouard Glissant qui disait: «L’artiste est celui qui approche l’imaginaire du monde, le rhizome est la racine qui s’étend à la rencontre d’autres racines». De fait, je me suis simplement mis dans la peau du rhizome. J’aime l’idée qui permet à celui qui regarde une oeuvre de choisir sa porte d’entrée et de sortie.

L’exposition La poésie du lien a aussi été marquée par l’installation Bois sacré. Vous avez ravivé ce matériau en écho à la pensée animiste, selon laquelle tous les êtres sont habités par des esprits: «Le bois s’exprime, il vieillit. Le bois en lui-même est un être.»

Oui tout à fait, l’esprit du bois est évoqué ici, en lien avec l’esprit de la forêt et de l’eau. Longtemps, dans les villages, il n’était pas donné à n’importe qui d’aller couper du bois dans la forêt, tout était lié à des parcours initiatiques, car certains sacrifices se faisaient au pied d’arbres spécifiques. L’installation Bois Sacré était une façon de me reconnecter à mes ancêtres, car nous sommes tous descendants d’animistes.

Diriez-vous que votre art s’inscrit dans un entre-deux, exposé à la fois à la galerie Afikaris à Paris, à Londres ou encore sur le continent africain?

À Paris, je suis officiellement représenté par la galerie Afikaris, la 193 Gallery et à Londres, par Sulger-Buel Gallery, mais je ne suis plus représenté sur le continent africain par une galerie. J’en profite justement pour remercier Florian Azzopardi, le directeur d’Afikaris, et sa belle équipe, qui ont cru en mon travail en le soutenant avec sérieux.

Un dernier mot sur votre participation à la 14ᶱ édition de la Biennale de Dakar, Dak’Art 2022…

Quand je regarde dans le rétroviseur, je considère ma sélection comme une forme de reconnaissance, comme un baptême de mes pairs, même si la route est encore très longue. Ca reste en tout cas une belle vitrine pour présenter mon travail sur le continent!